柜中野兽

这部电影主人公的自我认知是和家庭的矛盾结合在一起的，可能其他观众会觉得这个安排很刻意，为了显示自我认知的艰难，又加了一场家庭矛盾。但这部电影给我很重要的一个共鸣就是Oscar的家庭。家庭矛盾让他变得害羞，胆小，我也是这样。看到电影里Oscar爸妈的争吵，我一阵烦躁，在那些瞬间对我父母有一种咬牙切齿的埋怨，为什么他们作为成年人，连最基本的安稳的家都给不了？

这种性格无疑给Oscar的自我认知造成了困难，因为他的自信需要慢慢培养，可能因为家庭让他觉得自己低人一等，于是他把这种别人比自己好的感觉迁移到了自己的性取向上。再加上他的生活环境，在追求自由快乐的生活道路上，他举步维艰。

这部电影的另一个主题就是这个人群的孤单。Oscar辗转于爸妈之间，感觉自己不属于任何一边。一面是爸爸的疑神疑鬼，对上一段婚姻的偏执，另一面是妈妈开始了新的生活，开启了一个Oscar无法加入的家庭。电影最后，Oscar住的那个面朝大海的小木屋，旁边没有其他宿舍，更是再次显示了这个主题。他妈妈对他说，可能你一辈子都不会容易，听者有意，Oscar肯定是慢慢体会到这种感觉了。妈妈对Oscar说这句话的时候，我觉得电影并没有要体现妈妈的愧疚，而是她对儿子的境况非常理解并接受下来，毕竟她的愧疚也不能还给儿子一个温暖的家和一个快乐的童年了。

电影最后是正能量的，因为Oscar的爸妈虽然对对方有意见，也没能给儿子安稳的成长环境，但是他们都深爱着Oscar，换仓鼠这个安排也很巧妙，先是Wilde跟Oscar说仓鼠是雄的，然后电影结尾解释了这个片段，换仓鼠，给Oscar一个寄托，正是他们对儿子的爱最细致的体现。另外就是Oscar虽然经历了这么多，但他最终也进大学学自己喜欢的专业了，慢慢开始夺回对自己生活的掌控权，小仓鼠（Oscar的潜意识）也跟他说了Oscar现在很快乐。

但就我的理解和经历，我觉得Oscar不管日后多开心和成功，他对美好家庭的向往也只能是向往了，他和父母之间的隔阂也未必能消除，爱一直都在，但也许爱也消弭不了他心里的孤单。

看这部电影是在一个下午。情绪波澜放肆，眼看着它流淌成一湾纯净的湖。 相比于其他译名，更喜欢<柜中野兽>。此种隐喻极为贴切。当有一天，野兽冲出柜子牢笼，直面这个世界的时候，其实正是他一点点将青春啃噬殆尽，与过去作别之时。 电影开场的电子音轨迷幻而沉郁，带着让人恍惚的试探性质，这几乎奠定了电影整体的氛围与格调。紧接着是婴儿出生和父子和谐玩戏的画面，从此便可以预想到它的主题有关于爱与成长。 一开始的哄睡场景极为温馨，入梦前的仪式感强烈。但随之而来的是男主奥斯卡面临着父母的离异。在母亲离开之前将一只仓鼠送给他，因而这只仓鼠便有了重要的替代和陪伴属性。而奥斯卡与仓鼠小布的对话也相继展开，这其实是奥斯卡自我内心关照的物化的实现。 校园生活对于奥斯卡来说，充满了困惑与恐惧。困惑来自自身性向的不确定，恐惧来自过早见识和理解了校园欺凌（因为与性取向有关而更为复杂和惨烈）。这也造成了奥斯卡的早熟，具体表现在他听从了父亲的话，自行剪掉自己的长发（这种看起来小事一桩但极考验勇气）。 然后是阳光正好，轻风拂面，单车少年，红颜知己，超市兼职，生活正沿着正轨不断前进。但当他遇到那个令他倾心的对象韦德之后，一切都变得不同了。“我是奥斯卡。”“我也是。”见面礼都显得与众不同。尤其当仓鼠小布质问他是否恋爱之时，他对于自身的不确定开始明朗起来。 一方面，当奥斯卡成年后，他开始拒绝和父母谈心。这是每一个青春期的少年都会产生的叛逆。然而，当这种叛逆和性取向联系在一起的时候，总会显得意味深长。另一方面，在好朋友小洁的洞察下，他对于自己和韦德的关系也更加清楚，或者说他更加清楚自己到底喜欢什么（人或事）。超市相处，厕所幻想，等等，皆昭示着生活的方向在发生着扭转。 而当父亲将自己的情人介绍给他的时候，他的叛逆让他选择了直接拒绝，他和父亲之间的关系因此进一步恶化。 之后奥斯卡和韦德的关系一路开绿灯。印象深刻的是，公路开车那场戏。仓鼠小布藏进音箱背面不出来，这多少有些隐喻。因为那只仓鼠小布在某种程度上代表着男主奥斯卡内心的另一面，而它躲起来不露面也象征着奥斯卡在面对自己喜欢之人时的羞赧之情，越喜欢越逃避（这种逃避也代表着他要直面自己的性取向的典型反向心理），这是惯常的行为反应。而韦德试图以烟熏的方式让仓鼠出来，其实就是让男主勇敢正视自己的性取向的最好说明，毕竟烟是欲望的象征，并且伴随着迷情音乐，烟头抖落，性意味极强。 当然，电影不止一处在暗示这种直面和逃避。比如奥斯卡在帮好朋友小洁修图时，他们彼此的那场对话。小洁坚持不P图，她认为人要做真实的自己。而奥斯卡则认为化妆和修图会让人变得更为优秀，这其实是在说，当同志在不暴露自己的身份之前，他会活得更好，未来也会更容易生存。而之后超市店长也给了他足够的选择权让他做自己真正想做的，不就是在说“做自己”么？ 紧接着收到化妆中心寄来的拒绝信，则将他的迷茫情绪进一步推向高潮。此时，父亲发现他对于母亲之前留下来的衣物太过惦念之时，异常愤怒。但奥斯卡在与父亲争执之后，硬是穿着母亲的衣服去了化装舞会。这是他“做自己”的关键一步。在舞会上，他因嗑药而情趣极致，试探韦德性向后失望地与一个陌生男子发生关系（但我猜测并没有）。那晚，他和韦德在车厢内度过，两人对话，尴尬，伤感，亲近，甜蜜接吻。车外雨声阵阵，脑中江河入海，美好极了。 之后，他破窗回到母亲的家。与母亲对话的场景令人心生感动。“你从来都不轻松，或许永远如此，假如你生来被迫披荆斩棘，那你也会更加强壮。”母亲的话无疑是奥斯卡成长的最好诠释。 最后，当他再一次返回住处，看到房间内一片狼藉。这自然都是父亲所为。但更令他伤心的是，父亲将自己心爱的仓鼠小布也残忍杀害了。然后，一切都不可控，奥斯卡隐匿沉压于心的情绪终于爆发。奇幻的场景又一次出现，他从胸膛内抽出血淋淋的铁棍，直接走向父亲。 最终还有一小段快节奏的关于男主奥斯卡的去向交代，我认为没太大必要了。但故事的最后，其实，那只仓鼠道出了真相，伴随成长的过程，其实我们都在不断地改变着，无数个“我”已轰轰烈烈地死去，而最终剩下的，如果是真正的自己，才是何其幸运啊。 而伴随着又一次哄睡的场景，我更愿意相信，男主奥斯卡其实已经原谅了父亲，从而与生活达成和解。 从人设方面看，奥斯卡特效化妆师的身份设定意味最为明显，还有离异的父母，怀揣梦想的小洁，有些流浪和混世情怀的韦德。几乎可以看作是稳定的三角关系，奥斯卡与父母，奥斯卡与小洁与韦德。当然这样说，也未免绝对，毕竟它并没有那么简单。 整部电影摄影都极具生活质感，灰和蓝是主色调，伴随着剧情和情绪兼有亮暗浮动。而配乐呢？简直太棒了。看过的人应该都印象深刻罢。 P.S：附上音乐名。 01.<Hondo> 02.<Dark Allies> 03.<Forgive Me> 04.<Bassically> 05.<Bitch> 06.<Bleeds> 07.<Reconcile> 08.<Arcadia> 09.<Says>

以上在网易云音乐都可听到，直接搜索：《closet monster专辑》就可以了。

现在的彩虹片拍的越来越像青春片 可能因为青春期的人都有自己最柔软的秘密 而柜子里的事又是这些秘密里最敏感的一个吧 取向的懵懂 童年的创伤都是写烂的东西 却因为这部戏迷幻的配乐 素净的配色显得特别的清新 无论是柜子里的人 还是柜子的人 多少都能从这部电影里看到自己的些许影子 对远处的人的敬仰 对梦想的坚持 借鉴「Black Swan」的意象手法在这部戏里成为男孩一次次蜕变的标志 作为处女作虽然青涩的地方不少 但是看得出导演有自己的情节和风格 希望下一部作品不会太远

Oscar Madly是东海岸的青少年特效化妆师，面对强有力的父亲，面对困住他创造性的小镇，面对他受限制的家庭生活， 他想要离开。他从最好的朋友Gemma和自己的宠物仓鼠Buffy处得到了很大的支持。当他遇到帅气的Wilder时，Oscar决定挣脱束缚自己的铁链，开始他真正想要的新生活。

Taking a leaf from Xavier Dolan’s book, Canadian filmmaker (born in 1989, the same year of Mr. Dolan) Stephen Dunn’s debut feature CLOSET MONSTER flourishes as a coruscating Bildungsroman of a young boy’s coming to terms with his homosexuality, against its own threadbare script mired in corny dialogue and workaday characterization.

An eight-year-old Oscar (Fulton) witnesses a horrific bullying of a gay boy which jolts him into building a carapace over his latent bent, things compound when his parents are getting a divorce, and he is mostly saddled with his homophobic father Peter (Abrams), who intends to chisel a macho man out of him (as if carpentry is the panacea). Ten years later, an adolescent Oscar (Jessup) spends most of his time creating special effects make-ups with his best friend Gemma (Banzhaf), and has his first crush on a new colleague Wilder (Schneider) in the hardware store where he works part-time (Oscar + Wilder, you don’t say!). Battling his internal conflict (a hormone-driven sensation versus the stigmatized horror of getting aroused by a boy), Oscar takes it out on Gemma and the tension between him and Peter strains, after being rejected by the make-up school he applies for, he desperately needs to get out of the clutches of his parents and face his pestering inner demon, one way or another.

Graphic special effects are deployed to galvanize audience like a sub-Cronenberg’s body-horror, there is something visibly churning inside Oscar’s stomach whenever he is aroused, and later materializes itself as a metal pole perforating his belly, when he fumbles around his first sex attempt with a party boy, involuntarily he spews bolts, lots of bolts, of course, they are all figments of his heated imagination, including a talking pet hamster named Buffy (voiced by Isabella Rossellini), whom he cherishes more than anything else in the world since his childhood, because it is his only (imagined) friend knows his true colors. When Oscar finally takes the pole out of his body and is driven by a patricidal impulse, the slo-mo crescendo however, pans out like a bathetic bluff, the fear in his deadbeat father’s eyes can hardly justify all the damage he has done.

The psychosexual aspect bears down strongly on the story, but the rest is nothing but usual suspects, Connor Jessup makes for a passable lead and is at his best when the camera is floating around him rather than staring directly at him; both Aaron Abrams and Joanne Kelly appear too young to be parents of an 18-year-older, and the former fails miserably to even fake a fatherly affection when he is required. A solid start for an up-and-comer, but distinction is nevertheless a paucity in the end product, in the waves of a post-coming-out-of-closet fashion, Dunn’s heartfelt story is blasé but mercifully grafts its emotional charge with something fluctuating between hope and honest.

referential points: Daniel Ribeiro’s THE WAY HE LOOKS (2014, 7.9/10), Xavier Dolan’s HEARTBEATS (2010, 5.2/10).