今年的奥斯卡颁奖礼,《三块广告牌》败给《水形物语》无缘最佳影片,就连原本夺奖热门的原创剧本奖项,也输给了黑马《逃出绝命镇》。惋惜之余,我又想到:当下全世界范围内,普罗大众和社会提倡的主流价值观已经渐行渐远,有多少人还在乎学院评审们的口味呢。在这个“政治正确”已经彻底沦为贬义词的年代,《水形物语》和《逃出绝命镇》这样的电影虽高举平等大旗,但在整个趋向保守化的社会潮流面前,已然显得声嘶力竭。而《三块广告牌》呼吁相互理解的主题和相对平和的风格,似乎正好是化解眼下这两股思潮之间矛盾的一剂良药。影片中反复讨论的三个主题值得很多人反思:
(以上是应杂志约稿要求新加的一段开头)
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1.自欺欺人的动机导致的执着(Mildred其实内心深处害怕面对因为自己和女儿吵架间接导致悲剧发生的事实,转而通过追究警长责任来释放心理压力;Dixon以为暴揍广告商就可以抚平警长离去的伤痛;已经无法再责备警局的Mildred和刚失业人生迷茫的Dixon一拍即合决定去惩治另一个强奸犯)
2.人与人难以相互理解爆发的矛盾(包括观众一开始大概都会误以为满口脏话、上班看漫画的警察们是官僚做派,没有认真调查案件,但后来却渐渐发现并非如此,且这部电影并没有什么标准浑蛋反派,大多数人都有可爱之处;Dixon一厢情愿地以为吹牛的人就是凶手,以为豁出去就能抓到真凶,最终却失望收场)
3.通过谅解和放下最终化解一切(警长吐血被抬上担架还叮嘱手下不要为难Mildred,Dixon全身烧伤还不忘把Angela的案子救出来,这一系列举措让Mildred慢慢相信警察们的认真并最终达成互相谅解(虽然Mildred始终嘴硬);Red在知道病友就是打伤自己的警察后心里一番斗争还是递给他橙汁;Dixon白天打了人被炒鱿鱼晚上就收到警长遗书,指出他太多戾气缺乏爱心)
这三点放在一起说的话,就是人太容易变得狭隘。我们很容易从一些零散的碎片情节加上自己脑内对缺失信息想当然地补完,就形成一个对他人确定的印象。但这个往往并不准确的印象却成为我们接下来一切行为参照的依据。人总以为别人跟自己的思路一样,或者以为自己能猜透别人内心。这种错误放到复杂的人际网络里,误会再进一步放大,加上无意义的固执行为,终造成一个个无可挽回的悲剧。这种激化了的矛盾只有靠每个人都放下一些本不必要的执着来化解。
再说说电影的风格。我个人从来不喜欢惨兮兮的电影,觉得一个艺术品让人一味沉浸在同情哀伤的纯负面情绪中,实在没什么美感可言。但本片这种哀而不伤苦中作乐的调调却一直是我心头好,至少是让人看到一些希望吧。比如警长自杀前还给每个人留了一封轻松幽默的信,让妻子记住自己最好的时刻,鼓励同事多去爱别人,特别是自掏腰包涮了Mildred一把,也让人觉得非常可爱。让我也不禁希望到自己死的那一天,亲朋好友不要哭丧着脸,如果能一起回忆回忆我的搞笑事迹,那就是对我最大的安慰。
导演在掌控情绪和节奏上的本领可算非常高明,笑点和转折穿插在让人动容的情节之间,让大家大喜大悲接踵而来。而且剧情的很多转折本身也印证了关于误解的这个主题:正是由于我们对角色有太多预设,才会有这一系列出乎意料的展开。
(文/杨时旸)
当海耶斯把车停在那条几乎荒无人烟的小路上,盯着广告牌流露出若有所思的神情,这个故事的气质就已经悄然奠定了——蝴蝶效应发端于人心中的一丝闪念。只是人们不会知道,一切分裂、崩塌、重组,兜兜转转之后,最终会抵达怎样一种结局。
金球奖最佳剧情片,最佳女主角,威尼斯电影节最佳剧本,《三块广告牌》拿下这些奖项几乎毫无争议,它有着一个教科书级的剧本,而贡献了超凡演技的也不绝止于弗兰西斯·麦克多蒙德,拿下金球最佳男配角的山姆·洛克威尔在某种程度上甚至超越了前者。这真是表演的盛宴,凭借《海边的曼彻斯特》进入大众视野的卢卡斯·赫奇斯,只在前半程出现的伍迪·哈里森,表情阴鸷的泽利科·伊万内克,随便选出一个都可圈可点,而更重要的是,所有人都不争不抢,安之若素完成自己的配额,合奏出了平衡的声部。
总体而言,这是一个令人心碎的故事。女儿被奸杀,案子一直未破,母亲海耶斯路过那条荒芜的小路,想起在此被害的女儿,正巧看到那三块已经无人问津的户外广告牌。她决定买下广告位,直接写下对警长的质问。这座小镇内部的情绪由此开始翻覆。
粗略去看,它有着顺畅的观感,而进行文本细读,也会发现很多有趣的隐喻、象征与指涉。影片开头,那个倒霉的广告公司经理翘着脚拿着一本《好人难寻》,那是著名作家奥康纳的代表作,一些幽暗的深黑色故事,这与《三块广告牌》互为映射和启示,它让人们以为,这个镇子是一个“好人难寻”的地方——懒政的警察,破败的人心,封闭的气氛,人们终日喝酒闲逛,一位无辜女孩的惨死也唤不醒任何人,只等待时间和风把一切带走吹散。至少在影片的前半段,一切都应和着这样的想象,但很快,人们就发现,这个镇子并非好人难寻,好与坏的区隔过于简单粗暴,人设被剥落,流露出更复杂的内核,海耶斯和警方,从一种单纯的对立变得关系暧昧起来。
角色以三角形关系开始,海耶斯、警长以及警察迪克森,最初,这三者维系着一种奇妙的平衡。迪克森为警长鸣不平,但警长一边阻止着属下乱来,一边还得想办法与海耶斯讲和,但警长的癌症和最终的自我决断打破了平衡,又催化了一切。这场死亡突如其来,它成为了一份“材料”供镇子上的人无限解读,有人认为这是由于不堪疾病困扰的解脱,但更多的人认定这是不堪海耶斯的辱没和压力,更像一次决绝的还击。而同时,这场死亡也成为了推动叙事的一重强劲的内在驱动力。
稳定的开始摇晃,平衡的开始倾斜,三角形的一角轰然倒塌,另外两端的博弈也就开始。从而引发了那两场大火。这个故事中的对抗走向激越巅峰的同时,也恰巧是双方进入对方内心的过程。警长给每个人都留下了一封信,送给海耶斯,送给迪克森,他的缺席反转成了更加明显的在场,一个亡灵充满自嘲和幽默的告白,远比他在世时徒劳解释要有力得多。事情至此,《好人难寻》所架设的主题其实被稀释了,虽然这里充斥暴力,但一切终究平息,海耶斯脸上的线条不再坚硬,迪克森也不再那么鲁莽。角力开始走向合力。就像那两场大火,看似针锋相对的报复,实则全部都是误会,在一系列的误解与暴力之后,意外催化出和解与柔和。
这意想不到的变化更接近生活的真相,自以为是的判断,无可化解的隔阂,意外无端的灾祸,莫名出现的曙光,人们自以为走在正确的道路上,却可能踏入歧途,认定山穷水复,却撞见柳暗花明。
这座小镇里有愚钝和暴力,但这其实并非电影着力呈现的内里,这一切其实是表面,它们最终都被层层剥落,虽然有代价,经历了血和火,但最终的结果其实被淬炼得很柔和。它从心碎开场,由解脱落幕。每个人都有疤痕,迪克森的在脸颊,海耶斯的在心里,但两个人最终却相视一笑。那结尾注定不会再上演一程末路狂花,而是会像生活本身一样“在路上再做决定”。
注:关于这篇长评,因为我本人记忆的问题造成了一些误解,“阿提卡监狱暴动”发生在纽约州的怀俄明县,而非怀俄明州。原英文为“Are you sure you aren't thinking of Wyoming”, 因对《热天午后》记忆深刻所以记住了阿提卡监狱暴动事件,这件事影响也的确较大。但推测为避免产生歧义如若提及此Welby 的措辞应当直接是阿提卡,所以这里提的应该不是那次事件。
有一豆友指正:
他所提到的Matthew Shepard事件具体如下:
我不十分肯定这个就是正解,但怀俄明州那个梗应当是与种族无关了。大家自己去推测和判断吧。
这个长评我不会删,但也大概没啥用了,留给自己做个记录。让它自行下沉或可以点“没用”让它加速下沉,十分感谢。
自看了《I, Tonya》以后便对这部片子产生了极大兴趣,虽说拉沃娜那母亲当的极其操蛋,她还是坦雅悲剧造成的首要原因之一。但也是她撑起了如此一部大杂烩,艾莉森·珍妮的出色表现是毋庸置疑的。 而《三块广告牌》中弗兰西斯甚至一举拿下如金球奖剧情片最佳女主角等多项奖项,据说其刻薄程度达到了生个气都有星球大战的架势。于是嘴皮不甚流利渴望学习的我赶忙搬了个小板凳认真吃瓜,理解如下:
1、Dixon 喝醉酒后在台球桌旁同Welby 的交流时Welby 说到“你确定没让你想起怀俄明州”所涉及的是“阿提卡监狱暴动事件”:1971年白人狱警与黑人囚犯产生大规模武力冲突,因为黑人囚犯强烈要求人权。最终以白人狱警扫射囚犯(不顾人质死活的前提下)告终。Welby 提及此可能因为对Dixon 在小镇的虐待黑人行为表示不满。 这大概也是当Willoughby 出事时Dixon 第一时间是找Welby 撒气,将他扔出窗外后仍旧将他打得半死说出那句“我也会因为白人惹上麻烦”。众所周知,Dixon 是个同性恋者,而从两幕我们透过Mildred 的眼睛看到的场景(1、Mildred 去租广告牌时Welby正盯着女同事的ass. 2、Mildred 因为牙医事件进警察局往窗外看时Welby 正调戏着公司女同事)可判断酒吧那晚Dixon 和Welby 没有上床,Welby 是Dixon 永远得不到的男人。而从Dixon 母亲在他处理不了广告牌事件时教他去从Mildred 的朋友开刀可得知Dixon 在母亲的影响下形成了了一种暴躁、冲动的性格。因而后来他在烧伤给Welby 道歉并对母亲的那一句斥骂是他成长的转折点标志。 他只是碰上了一个操蛋的母亲。
2、关于凶手,这部电影采用了《杀人回忆》般调动你所有期待但最后让你大失所望的戏码。它让那男人去恐吓Mildred 后再在酒吧里让那男人承认他强暴过谁因而吊足了我们的胃口,并且其还有一样的时间和遭遇:时间对得上、同样是被烧死。 在我们开始庆幸凶手被抓到时,其实它早已经话锋一转:“我才不会为那件事伤心呢,那是我在那的最后一天”、以及他不害怕袭警,告诉了我们他并非杀害Angela 的凶手。 但这部影片说得哪只是那个杀害Angela 的凶手呢?本片中唯一提到的时间点是1986年(Welby : 那三块广告牌从1986年起就没人张贴过广告),因而大致可以推测到1990年以后,而90年以后,美国对哪个“沙地”国家有所侵略早已不言自明。于Mildred 与 Dixon 他们要去伸张的是杀人偿命的正义,于我们要去理解的是人权与侵略。
这是一部有着美国式暴力幽默,融合了多种社会问题的犯罪剧情片。与一般的商业电影有所不同,其将这商业化套路泯藏于人物性格之中,而由人物性格引发的故事,走向完全不如所想。 但其实再怎么分析,都发现Mildred 这一系列行为无非是出于对女儿Angela 的爱。她将Angela 的死当成自己的责任,所以她急切地想找出那个凶手,让自己被分担出一部分罪责。她太害怕自己不是一个好妈妈。
一如她租赁广告牌时轻轻为它拨正位置的甲壳虫,她也急切地希望自己能接纳下这个让自己痛恨的自己。 我们来从几场戏中分析: 1、Angela 出门之前未借到车选择了步行是她当时固执地不肯借车。 2、从Angela 措辞中可以了解到Angela 心中对她有所不满,觉得她不爱她和她弟弟(醉酒后载着他们飙车)。即使她当时是被家暴对待,她也认为这有她的一部分责任。 3、她教训Angela 与儿子robbie 在家里不能说脏话证明她是有意要当一个合格母亲的。 4、那父亲突然掀桌子掐Mildred 时儿子迅速反应过来用刀抵住父亲的脖子也可知家暴在未离婚之前已是常态,从那父亲暴躁的脾气难听的措辞中也可知Mildred 与两个孩子深受其害。因而离婚后是两个孩子跟着她而非跟着开跑车的父亲。 这本是让她在这悲哀婚姻最安慰的一点,即使她什么都没有,她还有孩子。可当那父亲说出Angela 宁可跟着他时她崩溃了。这也为后来的事情严重化埋下伏笔。 于是将女儿出事责任放在自己身上的她,迫切需要将这愤怒发泄出来,迫切需要找到凶手来为Angela 报仇。但正如她前夫找的那十九岁女孩儿的话“愤怒招致了更大的愤怒”,她后来的所作所为已不单单是为Angela 了。 这部由马丁·麦克唐纳自编自导的片子无论在剪辑或是配乐上都是极其出众的,叙事上也极其以小见大,环环相扣。关键它竟然将这样的题材拍得如此温柔、落寞而又伤感,着实不可多得的佳片。
注:欢迎反驳和指教。
当威尼斯电影节放映前贴片播完,矗立在荒凉的公路边上的三块广告牌映入眼帘,一曲《夏日最后的玫瑰》响起时,我们知道,那个从小接受凯尔特文化熏陶的马丁-麦克唐纳回来了。
故事发生在美国的一座小镇上。弗兰西斯-麦克多蒙德饰演的女主角是一位失去女儿的母亲,然而女儿遇害的案件却迟迟未曾了结,凶手依然逍遥法外。眼看着破案希望慢慢消逝,这位做事果决的母亲,与小镇上碌碌无为的警察之间的矛盾日渐尖锐,她借用三块广告牌向负责该案的警长发起质问,在小镇上掀起轩然大波,众多人物相继被卷入血腥、暴力的纷争之中。
这是一个典型的马丁-麦克唐纳式故事。但它并没有前作《七个神经病》那般诙谐的语境,那部电影里,主角们仅仅因为一条狗而经历了一场可怕的争端。这部电影反而回归到了处女作《杀手没有假期》所表现出的荒唐的悲伤衬布之下。在处女作里,他不刻画杀手们如何执行任务,而是描述两个主角在布鲁日的“假期”,纵然杀手远离了任务,然而杀戮和血浆却依旧如影相随,在科林-法瑞尔饰演的天生就带喜感的人物背后,我们能感受到彻骨的悲剧内核。
《三块广告牌》的人设都有着强烈的双面性。虽然这位母亲站在法理的高地,可是负责该案件的警长却身患癌症,又把她置身于道义的低谷。在这位母亲坚强、倔强的性格背后,也有着做事不计后果的一面,正是这种冲动,将事件带入不可预期的境地。而与此同时,电影最感人的片段,却是她唯一一段深情流露的情节,当她在广告牌下看到一头鹿时,流露出了丰盈的属于女人的母性光辉,可谓动人。
弗兰西斯-麦克多蒙德与这个角色是完美契合的。作为《冰血暴》的女主角,作为奥斯卡影后获得者,她用生动的演技把这个人物身上的复杂层次演绎出来。
当然,人物让观众印象深刻,得益于马丁-麦克唐纳善于塑造人物,他寥寥数笔就可以把女主前夫的现女友的立体形象刻画出来:一个常常喋喋不休一些道理,然而却没有什么真才实学的花瓶,可以说跟有暴力倾向的前夫很般配了。马丁在对待善恶上一向很公平。
在警探迪克森身上,我们可以看到他对现实社会问题的洞察和态度,这个仪表堂堂的警探一边表现出深深的恋母情结,一边带出鲜明的恐同和暴力倾向。而丰富的细节可供我们推断,他不仅恐同,且本身也是同志,他的母亲深知她的儿子。而彼得-丁拉基的加盟,也延续了马丁对侏儒人群的持续关注,丁拉基自称dwarf,没有“自杀倾向”。
也因此,在观看过程中,殊异的文化语境会给观众造成障碍,观众必须集中精神,因为每一句台词都有着潜台词,每一段幽默背后都有着双重含义。马丁喜欢夹带各种私货,包括隐喻、文化符号、俚语、双关、尴尬情境、滑稽情景等等,为角色们打造合适的五花八门的设定,以丰富人物身上的戏剧性。
因为马丁的戏剧出身,镜头转换上有几处会有些强硬感,像是戏剧换场。它的影像表达不是它突出的地方。因为爱尔兰戏剧包括乔伊斯、王尔德、叶芝等对其的影响,需要重点考虑故事的文学性。三块广告牌这个意象本身是一个相当古典的戏剧设计,带着鲜明的时代隐喻——一个萧条的社会给个体人性带来的变数。观众对每个人物的评判都不应脱离开这个隐喻。
之前被留言区朋友“追杀”,删掉了那句大背景的话,“通过三块广告牌的荒废日期1986年断定,故事发生在1986股灾之后”,现在加上。尽管这是个可以手机、可以谷歌的故事,但仍然逃不脱80年代的阴翳,那是美国阶层固化激化的开端,保守的政府“80年代出台了大量法律”,可是连人吐口痰就有环境法治罪,这个小镇,人人道义上都心向这位母亲,可是她表达愤怒时,却连神父都来阻止。就是这样一个好人遍布的小镇,却迟迟无法推进一件案件。当社会固执得像一块水泥块时,愤怒的意义就是要把它的顽固打破。
作为西方戏剧圈中“直面戏剧”的代表,马丁-麦克唐纳不规避暴力和血浆本身,而选择用荒诞的手法直接刻画愤怒、暴力、偏见等人性黑暗的部分,台词中带着大量粗口,借恶的边缘来刻画恶,借暴力本身反暴力,借犯罪类型反犯罪类型。
所谓“直面”,就是把那些我们生活中做过的,回想起来会让自己羞愧、脸红的东西,那些精英排斥把它们用在艺术里的东西,摆上台前,赤裸裸地引发观众的羞恼、反思。
他把幽默、荒诞、痛苦,同情感、人性、美德糅合在一起,打造出这个全程不断反转,让人哭中大笑,充满戏剧张力又引发观众深思的黑色幽默电影。
电影在适当的时刻停止,恰到好处。等待男女主角的是一个遥远的问号,还是一场你死我活的血拼?我不知道,那里不再是广告牌的阴影之下,也因此而意犹未尽。它带上了艺术的普适性,这个小镇不只存在于美国,也可以存在于任何一个时代、世界的任何一个角落。
对中国来说,马丁-麦克唐纳并不陌生,2011年他的戏剧作品《枕头人》就在京沪上演过,也征服了包括我在内的一大批中国戏迷。
最后想说,最让我眼前一亮的是创作者对音乐的运用,他有着不俗的音乐品味,骨子里透露出深深的怀旧感。《夏日最后的玫瑰》更是与电影主题相互呼应,歌词一句“当所爱的人已经逝去,谁还愿意在这黑暗的世上独自凄凉”,也正是女主角本身深刻的悲剧意味。
歌单:
Last rose of summer,一首爱尔兰民谣,音乐大师贝多芬、门德尔松都非常青睐它;
Buckskin Stallion blues,一首来自于Townes Van Zandt的民谣歌曲;
Chiquitita,瑞典乐队Abba的经典代表作;
His mater`s voice,一首好听的民谣,来自于才华横溢的monster of folk乐队;
Walk away Renee,来自美国黑人组合Four Tops的流行歌曲;
The Night They Drove Old Dixie Down,根源摇滚代表歌曲之一。
朋友对我说,看完《三块广告牌》能感到这是部好电影,但是具体好在哪里始终说不上来。我解释说,这部电影惊艳到我的有两个部分:一是爆发力十足的剧本,二是演员们层次丰富的表演(奥斯卡最佳女主最佳男配实至名归)。马丁•麦克唐纳很懂怎么样把荒诞的小细节加到台词里面去,让故事的正面冲突充满戏谑意味。然而不喜欢这部电影的朋友大多可能正是感到剧情过于戏剧化,接踵而来的情节急转弯让人累到窒息(虽说是无巧不成书,但哪有这么巧的啦)。
首先想聊一聊的是让我感到熟悉的场景设定。
《三块广告牌》对于场景的设定很有代表性,这个虚构的密苏里Ebbing小镇轻而易举就把我拉回到当时读书所在的美国南方小镇,其中的建筑风格和街道布局都让人回忆联翩。移步室内,我们可以看到警局办公室、小广告公司办公室、医院、礼品店、酒吧以及角色们的家,这些场景和现实非常贴合,让人产生很强的代入感。
影片有出色的演员阵容,有出人意料的剧情,有对人性中愤怒、冲动、正义和爱的挖掘,看完之后在脑海里面检索三秒钟,的确没有找到这一年还有哪一部我看过的电影可以把它比下去,所以《三块广告牌》在大陆上映的时候我挤出时间去电影院又感受了一遍。既然要找一个角度来讲一讲《三块广告牌》带给我的惊喜,那不如借着马丁•麦克唐纳优秀的台词设计扒一下令人印象深刻的细节。第一步我先把电影剧本扒出来通读了一遍。
影片中的人物都操着一口浓浓的美国南方腔调(这在美国常见的刻板印象中是poor-educated和智商不高的象征,也算是充满地域歧视意味的偏见之一),说话习惯省掉某些连接词,话语里偶尔夹杂着语法错误,并且使用大量俚语,想必马丁在运用对话和独白塑造人物形象这个过程中下了很深的功夫。尤其值得关注的是Dixon这个角色,他的语无伦次(不愧是最佳男配,演得很自然)让人觉得这个警探在中国恐怕会很难通过大学生英语四六级考试。
下面是我非常喜欢的原台词(依故事线排序)
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Dixon的人设是粗俗、愚笨、歧视黑人和同性恋的南方红脖子,对妈妈的话唯命是从。作为一个因为警校期间英语考试不及格而留级延毕的屌丝警察,一方面说自己的母语连舌头都捋不直,一方面却在这里和同事玩文字游戏。
A simple question shouldn’t be counted as defamation.
Dixon在这里抖的一个小机灵也是这部电影第一处punchline.
学到一个新习语 fly off the handle:
handle在这里是斧柄,斧头则暗指暴走的这个人。
(除了be pissed off, lose one’s temper, flare up以外的新表达)
广告牌就位之后的一段采访。Mildred第一次完整陈述自己租下这三块广告牌的目的:我女儿Angela在七个月前就在这条路上被先奸后杀,然而我认为警方把精力全部耗费在虐待黑人上了,没人关心我女儿这桩实实在在的案子。所以我觉得这几块广告牌可以帮他们集中一下注意力。
当被记者问到为什么矛头就指向Willoughby警长时,Mildred表示这件事总得有一个人出来背锅对吧,既然Willoughby是警长,那就他了。
buck在此正是指责任,Mildred毫不避讳地当着电视机前的观众把锅扣在了Willoughby警长头上。
这一段对话发生在警局的审讯室里,虽是Mildred被传讯,但对话看起来却像是Dixon正在回答Mildred的审问。结合前一段剧情,在台球室里Dixon向Mildred老老实实回答和妈妈约定好12点之前回家的桥段,看上去Dixon的确是一个不敢在Mildred面前喘一声粗气的Mama boy.
“别用那种眼光看我,如果你把我局里有种族歧视的警探全部开除掉,最后只留得下三个——留下的还全都会歧视同性恋,我也没办法”
“噢,嗯,我有一点想上个厕所,但是如果不方便的话,好像是不方便,是吧?我感觉不是很方便,我可以憋着,没关系......”
这是Mildred前夫的19岁现任女友在电影中的第一处台词,出现在Mildred与前夫发生争执被掐住脖子同时儿子Robbie把刀架在父亲Charle脖子上时......这也是整部电影中我最认为戏剧效果最强烈的笑点担当,这个“浑身散发着动物园屎臭”的19岁傻女孩儿嘴里蹦出的每一个词都散发着尴尬的味道,但却让三个人烧到999℃的紧张局势瞬间降到冰点。
剧情推进到Willoughby警长自杀的当天,他带家人去郊外并打算给妻子女儿留下一段美好的回忆,在带着妻子去草丛里面亲热之前,为了让女儿们乖乖待在原地不乱跑,说了这一番鬼话:不许离开这条铺好的摊子,不许把鱼竿戳到对方眼睛里去。
这些话语在影片中看起来非常平凡,就是一个平凡的爸爸平时为了让子女们乖乖听话编出来的那一套东西。但是设想一下说出这番话的人当晚就将自杀呢?他写好了给所有人的离别信,把一切都打点得妥当之后,在一个阳光和煦的下午对女儿们说了这番过家家一样的话。向女儿们交代完毕以后,Willoughby拿着酒和毛毯,牵着妻子去了草丛深处。这个细节对塑造Willoughby的人设起了举足轻重的作用,表现出的一方面是他在面对死亡时的勇敢、镇定,也体现了他在生活中是一个耐心的父亲和一个有担当的丈夫。
妻子对Willoughby撒娇,回味在野外亲密的行为,夸奖Willoughby. 警长问道这个夸法是莎翁哪出戏里的吗?妻子:“笨蛋,是奥斯卡·王尔德写的。”从最后一次安抚女儿们睡觉,到与妻子最后一次调情,这一段温情的镜头充满伏笔,Willoughby警长的确为妻子女儿留下了一天最美好的回忆。就连最后在马厩旁自杀之前,Willoughby也不忘为家人着想,给自己套上黑麻袋。
Willoughby写给妻子Anne的信。文字之间充满理性且坦然,一边乞求妻子的谅解,一边尝试让气氛变得轻松一些。
我知道你可能会生我的气,甚至恨我,但请不要这样。事实上我选择今天结束我的生命,不是在逃避,从某种程度上来说反而是一种勇敢。当然我不是说敢于面对一颗子弹的勇敢,接下来几个月的病痛肯定是比这一瞬间痛苦一万倍的。我所说的勇敢是指,在权衡了接下来几个月的生活之后,我不想从你眼里看到对我日渐消瘦的身体的叹息,我不想用你对我最后的回忆是充满怜悯的来交换和你每天早上一起醒来,来交换和孩子们相处的最后的时间,我不想这样。其实我们并不是孑然一身地来到这个世界上,又孑然一身地离开,相反,我们都一直被陪伴着,我很感激你的陪伴。你不可以忘记我们度过的最后这美好的一天,这是我生命中最美好的一天。我希望你记得今天我们在野外亲热时的样子,什么烦恼都抛之脑后,多好,你要记得你喝醉酒以后倒在沙发上开的王尔德的cock玩笑。哈哈,对了,我觉得女儿们肯定在我们走开以后有作弊。记住,我永远爱你。
一个猜测,不一定对。
之所以有朋友因为过于戏剧化的情节而不喜欢《三块广告牌》,很大程度上是因为这一段突如其来的高潮转折。Willoughby自杀时矛盾第一次升级,Dixon将广告牌负责人Red扔出窗外时矛盾第二次升级,Mildred在警局纵火的剧情本应按照上升趋势,将矛盾推至巅峰,没想到冲突却被一封信给化解。Willoughby写给Dixon的这几句话的确透露出一股“主打反叛主义的黑色喜剧被勒令加入主流元素”的味道,好端端的一个粗俗、酗酒的种族主义者就这么轻松地被反转成了爱和正义的化身。这么一个突如其来的剧情急转弯确实容易不受人待见,但对于演员本身表演层次的要求又提升了一个档次——Dixon接下来的表演需要做到非常细腻,非常具有说服力才可以不毁掉整个剧本。
“Anger begets greater anger” 也算是《三块广告牌》的半个中心句了,是整部电影下来给我留下印象非常深刻的一句台词。Mildred不相信这个19岁动物园屎臭女孩儿措辞这么考究,所以半开玩笑地反问了前夫一句“她真的说出begets这个词了?”
接下来在与侏儒约会泡汤之后,Mildred提着一瓶酒来到前夫桌前当面问了一遍这个19岁女孩儿,没想到对方非常饶有兴致解释了起来:“噢,是我说的,不对,不是我说的,我从书签上看来的,是我正在读的一本书的书签,讲小儿麻痹症的,不对,好像是马球,还是麻痹症来着,就是有马的那个词,哦,马球。”这个傻白甜人物的存在给整部电影带来了意想不到的效果。
电影结尾的部分是Mildred和Dixon双线剧情并行,人物之间的关系非常明朗,但主要矛盾仍然没有解决,留下了开放式的结尾。
《三块广告牌》是不是一部将会成为经典的电影?
“I guess we can decide along the way.”
就是你看着他俩觉得他俩的确就是他俩演的那个角色,就像个活人,只是经历让他们和一般人又不太一样,首先说明演技就是非常自然传神的了。 其次,他俩的角色是极端化的正常人,就是正常走路上你不会多看他俩一眼,但他俩一开口一做事你就忍不住盯着他俩看。这种复杂的微妙性他俩诠释得都很棒,和影片风格也很一致。 演一个全然疯子的难度远没有这种带点疯劲儿的正常人难演,因为这种角色既需要现实生活体验又需要艺术人物的塑造,在适当的时机有逻辑,在适当的时候又有些神逻辑,这个时机很难把控。 举个例子,假如妈妈这个角色就是个单纯被女儿之死弄疯了的妈妈,她会经常处于一种歇斯底里,一提她女儿就开始崩溃的状态。看完后我们会深刻同情这位母亲,说她真是太惨了,然后呢?我们会忽略她的行为逻辑,全都被一个“她被她女儿之死击垮了”这个状态给遮蔽,她是不正常的,不正常状态下人说话不值得思考只值得同情,啊你看她都被打击得放火了。 而片中的母亲是冷静的,克制的,会给人感觉,她明知道自己在做什么,她知道自己做这些的后果,她的智商在线,她不需要我们同情她需要公正,真相,凶手,为了这个目的她做出种种。 这位演员她演出来了,有些时候她甚至让我们和片中的小镇居民一样忘了同情,开始思考她这样做对不对。 如果这位母亲是全然失心疯,她最后在车上思考到底要不要制裁凶手也不会引起观众同样的思考,只会觉得,这是失心疯母亲的化身正义使者的一种报复。 但报复显然不是导演的本意。 迪克森这个角色同样复杂,很多人说他的转变太突兀,其实是因为这个人物复杂的简单个性。 迪克森很容易受人影响,他像个孩子,他母亲说,你为什么不去威胁她朋友?他就去了。而如同他父亲的警长说,你去做个好人,他也去了。 好与坏,对他只是一种引导。 他不在乎其他人的生死,很暴力,他同样也不在乎自己的生死,所以他与凶手以命相搏,所以没有因为毁容记恨那位妈妈,不是因为他人变好了,他只是本来也不那么在乎。 山姆洛克威尔这个喜剧见长的演员把迪克森的暴虐与天真完美融合,从各种细节和表情我们可以脑补出这个角色的背景。他与凶手搏斗时的凶狠,和自己暴虐的老妈相爱相杀,对警长的迷弟式敬畏,一听歌就忘我的二缺状态。 这个角色很复杂,但演员演的你会觉得的确就有这样的人活着,这就是他的演技。 因为他能演出来的,只是他背后对这个角色的认知的那端露出的冰山。
我对生活从无迷信,为何对女儿的诅咒却一语成谶?我以为世间应有上帝,奈何却被邪佞玩弄股掌。没人告诉女人在丈夫自尽后的一天该做什么,也没人知道母亲在女儿奸杀后的半生能做什么。在血色晚霞里涂上殷红的广告牌,它早晚会在烈火里被遗弃。幸好在斑驳之前,每个经过它的人都看过上面狰狞的字,正义。
一直觉得马丁·麦克唐纳是继昆汀·塔伦蒂诺之后最有才华的编剧,他的剧本每次都是超高的难度,既有一流的编剧技巧又有严肃的文学性。他总是以黑色和荒诞的东西先爽到你,最后再慢慢的用正能量感动你,让你在残酷的生活里看到一丝人性的暖色。这次的人物塑造很厉害,最佳群像表演也是这个剧本的功劳。
本届奥斯卡主题——美国妈妈牛逼死了。《伯德小姐》《我花样女王》《大病》《三块广告牌》拜托把这几个妈妈凑在一起吧,光聊天吵架就行,比超级英雄联盟好看一万倍。
#Venice2017# 影后已出。真是教科书一般的好剧本,破了不少套路,人物塑造十分生动。再加上导演控制力很强,不乏幽默感,也有不错的社会观察。对仇恨与愤怒的探讨颇有与当下社会状况的契合点。
看的时候一直在想会怎么收尾,最后的出镇便是离开这个舞台——这个过度理想化的舞台,不管什么人干了什么事都不会被抓的小镇——如果是美剧的话,他们肯定会由于某种理由在下一集(季)中途被赶回镇里。
无关对错,他们只是执意的做自己,可我竟然被这两个近乎疯狂小人物深深打动,他们永远都像濒临爆发的火山,在一种不顾旁人的偏执中狂奔。出色的剧本与惊人的表演相得益彰,让电影里的每一角落都充满感染力。
想到江歌之母。这一生我们会扮演很多角色,父亲,母亲,丈夫,妻子,儿子,女儿,兄弟,姐妹……但最执着而有力量的,却只会是一个失去孩子的母亲。
蹦出一条小鹿这个必须减分了…而且还那么像CG做的…
老套的寻凶复仇故事讲述得如此生动,编剧值一颗星;情节似层层剥笋,露出的是七八个清晰、独特、复杂的人物,两个星给予出色的女主演及男配角;将视觉场面、音乐服化等手段与叙事有节奏的、完整地掌控融合起来,应是导演获得的一颗星;结尾高明的情节逆转和开放式,为这部电影赢得了最后一颗星。满分!
看之前聽到很多人形容為激進、憤怒、荒誕,但我卻只看到溫柔和哀痛。
我的情绪和观点在这100分钟里面不停地翻转和颠覆
麦克唐纳真的太会写对白了,女主每次怼人都怼得很精彩(怼完神父全场掌声雷动hhh),而她怼得越畅快,就越有“一人对抗全世界“的孤胆气概;越坚强就越寂寞、越寻找就越绝望,这是属于小人物的日常英雄/反英雄瞬间,是麦又一次用十分擅长的荒谬口吻讲述了一个沉重的、很人性的故事。
三块火一样烧红的广告牌,三个人,三封信。角色的面目都是逐渐清晰起来的,就像警局里前一秒两人还针锋相对,局长意外吐血,米尔德脱口而出一句“baby”,全片就充满那样意外又令人心软的转折。
胖牙医十分可疑
今年两大最政治不正确电影之一(另一部是《凭空而来》)。愤怒是活下去的动力,怼天怼地才能内心平静,麦克唐纳用冲天戾气和负能量熬出一碗悲喜交加的心灵鸡汤。科恩嫂的表演太炸裂了,枯瘦的身躯下隐藏着滚烫的力量,全片仅有的一次笑容锁定奥提...
文本是精心算计的高级货,比较欣赏的是在黑色荒诞的分裂之下,底子维持暖色调的统一性,怒诉了分裂、残酷、暴戾的社会现状,却能够在微妙的社会感情上弥合现实状况的分裂,最高明的是这两者还完全没有违和感,这便是美国呀。
这部竟然拍得非常温柔,有点落寞和伤感,看完会被人的善良所打动。虽然确实有些天真,但还是好爱这样的电影,会让你很享受这个故事。当然,导演之前擅长的喜剧部分仍然很到位。几个演员都非常出色,女主和两个男配,写得好,演得更好。挺奥斯卡的片,应该能有斩获吧。
太精彩了,实在想不到今年还有什么影片可以挑战。剧情音乐节奏摄影都接近满分,更可贵的是除了女主弗兰西斯的超水准表演之外,剩下所有演员的演出都精彩到可以颁最佳群戏。由于不妥协与不谅解所引发一系列悲剧,但是悲剧中更有合理的人性,戾气重的浪漫诗。从第一幕路过告示牌咬指甲就最佳女主内定了。
3.5 电影咋看很酷,美国乡村天注定,被人欺负了24小时内一定要报仇。剧作也确实比较大胆,很大的梗就这样撂下了也不觉得哪不对。演员也都很好,还很好笑。但警长一封信道出了内核的问题:你们这样主要是因为缺乏善良友爱。这不对吧,如果这些红脖缺的真的是爱,一年前他们怎么会去投川普呢
一晚上居然写了三封信!厉害了Woody叔。环环相扣,宿命轮回,错与对的双刃剑,比《杀手没有假期》更以小见大,提前预定今年奥斯卡最佳影片。女主、双男配演技巅峰,群戏也个个出色,剧本无可挑剔,开放式结局令人唏嘘…“-你确定我们还要这么做吗?-我不确定。-我们可以路上慢慢决定”